Cascajal

c’est juste l’histoire d’un vieux mec (interprété – magnifiquement – par Carlos Urena)

ça se passe du côté de Cascajal, dans la montagne

non loin de San-José (la capitale du Costa Rica)

(au centre de l’isthme qui relie les deux Amériques

ou alors celle-ci, centrale)

il y a un autre personnage que ces deux-là (Domingo

et le territoire, ce territoire-là

) c’est la brume – par ailleurs, Domingo a une fille (Sylvia, interprétée par Sylvia Rossa)

ils sont assez amis

et puis il y a la brume

Domingo a aussi deux amis

(aux sorts divers, mais il reste seul) et le monde alentour

(le réel peut-être)

qui cherche à s’approprier ces montagnes pour y construire une autoroute

c’est ce monde-là, le réel, celui des capitaux, des retours sur investissements, des performances des concurrences des marchés – l’économie les capitaux les banques l’argent – alors on offre « un bon prix » pour ce foncier-là

Domingo ne veut pas le savoir

il ne vendra rien

il attendra

marchera dans la montagne, côtoiera la brume qui lui parle

– attendra – et puis

advient ce qui advient

Domingo et la brume un film (coproduction Qatar/Costa Rica) magnifique réalisé par Ariel Escalante Meza

le dossier de presse (lien vers pdf) est ici

Tokyo

une affaire de couple – de mariage – dans la haute – cette jeune femme (27 ans dit-on),

Muji Kadowaki, dans le rôle d’Hanako

ce sont des choses qui s’arrangent encore – dans la haute – des tentatives infructueuses

(non, mais il y a des cinglés partout) – on se réunit, on en parle on essaye

on cherche – on se place du point de vue d’Hanako, l’héroïne adorable et charmante – spontanée, naïve – quelque chose de clair et tendre – on en parle aux amies

Hanako avec son amie Itsuko (Shizuka Ishibashi)

et on finit par trouver

Kengo Kora, dans le rôle de Koichiro

mettons que ce soit la perle rare – mais qui est-ce au vrai ? un sms

de nuit

Miki, l’amie d’une autre classe (Kiko Mizuhara)

une connaissance antérieure – Hanako cherche à la rencontrer, elle y parvient

Miki et Hanako, autour d’un thé

elles parlent – elles ne sont pas du même monde – mais elles se parlent

directement naïvement jte dis

il y a quelque chose de la tendresse, peut-être, de la loyauté sans doute aussi, et du rythme du monde car Miki bosse, Hanako non – et si elle travaille, cette jeune Miki c’est qu’elle ne peut pas faire autrement – elle se bat pour exister et survivre, en réalité – Hanako aussi, mais sur un mode mineure – alors les vues de Tokyo sont magnifiques et merveilleuses parfois (mais je n’en trouve pas dans les supports de promotion sinon celle-ci

stéréotypée peut-être)* – les vues de nuit manquent – mais Hanako se marie

grande pompe aristocratique – le temps passe, l’héritier hérite de la charge (financière certainement,mais politique aussi, apparemment) – la relation se délite – et puis l’histoire va son cours – Miki retrouve une amie avec laquelle elle va s’associer

Miki avec son associée Rie (Rio Yamashita)

Un jour

Hanako revoit Miki

l’appelle

l’arrête

et le film continuera – tendre, ironique peut-être – violent ensuite – mais Hanako existera par elle-même.

Une belle histoire, ville, cinéma – féminine et féministe.

Aristocrats, un film de Yukiko Sode

* : il faudrait évidemment s’interroger sur la possibilité de trouver, d’obtenir ou d’être invité à des explications soutenues par des illustrations – ce genre d’explicitation des conditions sociales de production des billets de blogs par exemple – ce qui rend possible cette production, par exemple – on ne dispose disons que des films annonce, et des dossiers de presse (parfois : pas ici par exemple) lesquels documents ne correspondent qu’à l’image ou la représentation que désire donner la distribution du film en question. Ici, la réflexion est particulièrement fondée parce que, bien que ce film soit une façon d’expliquer ou de montrer, d’illustrer, de représenter des rapports sociaux (entre classes sociales si tu veux), il se déroule dans un certain décor – cette ville de Tokyo magnifiquement filmée pourtant – une espèce de sensibilité – on ignore si elle née en cette ville, elle ne doit pas avoir quarante ans en tous les cas – on ne trouve rien sur cette ville : les images glanées en salle sont interdites, et ne donnent que des résultats moyens (impressionnistes disons) – je ne pousse pas non plus la recherche très loin, je ne me fais pas connaître des attaché.es de presse, je n’ai pas non plus le temps. Tout ça pour dire que la ville elle-même, celle de Tokyo ici, mais souvent toujours ou seulement parfois tient une place prépondérante, et qu’elle est , entre autres bien sûr, l’un des axes de ces chroniques.

Forbach

très souvent je me pose la question de savoir à quoi peut bien servir une chronique au sujet d’un film de cinéma – ce genre de production n’a pas d’utilité (je n’aime pas le concept d’utilité) (j’agonis par ailleurs ce mode de production : réunir de l’argent d’ici et de là et d’ailleurs sur la foi (?) d’un scénario (?) de noms de potentiels acteurs, lancer la production les plans de tournage, les repérages arrêter les dates et les contrats, les assurances les visa les obligations légales et tout le bataclan) tout ce bruit pour rien si le public ne se déplace pas – si la télé ne diffuse pas – je me pose la question et je cesse de tenter d’y répondre

puis vient le moment où je me dis qu’il faut, comme un petit animal de compagnie, nourrir le blog-le support-le site-quoi que ce soit d’autre – quelque chose de l’aiR Nu en tout cas

le nourrir pour le faire vivre (anthropomorphisme débilitant peut-être ?) (mais non, la ville, le cinéma, la jeunesse)

C’est l’histoire d’un jeune garçon, il doit avoir dix ans

Johnny interprété par Aliocha Reinert

– il fait des fautes d’orthographe tout en tombant amoureux de son instituteur

Johnny et son instituteur Jean Adamski (Antoine Reinartz) qui prend son rythme cardiaque

mais ça ne se passe pas comme ça, la vie, l’amour tout ça – non – il vit dans une famille décomposée et recomposée – il reste et vit avec sa mère (employée du buraliste)

Johnny avec sa mère Sonia (Melissa Olexa)

le film commence par le déménagement de la famille

se poursuit par une espèce d’acmé

où le jeune garçon comprend sans doute le sens de ce qu’on nomme (de ce côté-ci de l’âge et de la vie) la réalité (ou la raison ?)

le tout se déroule à Forbach

une petite ville de l’est de la France (quelque vingt mille habitants), désolée et perdue des anciennes industries minières qui y faisaient vivre (mais aussi mourir) le monde – on veut en partir j’ai le sentiment –

il s’agit (peu ou plus) d’une autobiographie – des acteurs, ici la compagne de l’instituteur (elle travaille au Louvre Metz)

Johnny et Nora (Izia Higelin) la compagne de Jean

le petit, c’est un élève de son mari/compagnon/époux, elle l’accueille, disons, avec gentillesse – puis le repousse avec rudesse

différence de classe sociale, différences des cultures – invitation au musée, découverte d’un monde si différent, si étrange, tellement meilleur croit-on –

Johnny (de dos, avec Nora) arrive au musée (visite nocturne) en compagnie des amis du couple Nora/Jean (dont Claire Burger (réalisatrice de C’est ça l’amour (chroniqué en maison[s]témoin) et coréalisatrice (avec Simon Theis, qui réalise ici)) du film Party Girl précédent)

histoire simple – initiation, peut-être – le petit s’en ira vivre sa vie quelque part

ailleurs, probablement en faisant du cinéma – cette image si jolie

et celle-ci où il marche sur le fil funambule d’un rail désaffecté

presque heureux, dirait-on

Petite Nature un film de Samuel Theis

Belfast

(il y a quelque chose comme de l’imposture à écrire sur le cinéma, à propos du cinéma – il y avait Michel Ciment qui proposait quelque chose sur Jane Campion je crois bien dans la librairie de l’avenue Jean-Jaurès – en haut, pas Texture) (pendant trois ou quatre ans je n’ai pas cessé d’écrire sur le ou à propos du cinéma – c’était dans les locaux de l’institut d’art et archéologie) (il (me) fallait aussi travailler)

Il s’agit d’abord ici d’un certain cinéma (pour preuve, on dispose – si on cherche un peu – de près de deux cents photos, augmentées de 3 ou 4 films annonce) (le »on » indique le tout-venant)

Il y avait aussi quelque chose de l’imposture aussi à travailler sur les publics – ce sont choses (au sens du « il faut prendre les faits sociaux comme des choses ») éphémères

Il en va aussi de l’imposture de la sociologie sans doute certainement obligatoire

non, je n’ai pas connu la guerre – il y avait sur la route de l’Aouina des sacs de sables entassés qui forçaient à ralentir – le chemin de la maison à la ville – Carthage à Tunis – les soldats portaient des armes – nous étions dans la quatre chevaux – il y a plus de soixante ans d’ici – et deux milliers peut-être de kilomètres

ce ne sont pas critiques mais simplement informations, souvenirs, remembrances

l’histoire d’un enfant de huit ou dix ans (Buddy, interprété par Jude Hill), un père parfois absent (il va travailler en Angleterre), une mère adorable – ça se passe donc en Irlande, du nord, Belfast – des grands-parents comme il doit en exister- le souvenir de la tabatière de mon grand-père et de son livre de prières (ou de contes, je n’ai jamais su)

la mère (Caitriona Balfe), le père (Jamie Dornan), la grand-mère (Judi Dench) , Buddy le petit héros et son frère (Lewis McAskie)

c’est un film un peu maniéré – on était tellement content en sortant, enfin surtout moi – quelque chose de la vie rêvée – ça commence par une espèce de dépliant touristique vantant la ville de Belfast j’ai supposé – ça fait braire – en couleurs contrastées, une belle lumière, une prise de vue dronatique – et bien sûr que (aussi bien) les drones servent à tuer, à la guerre, à la mort – c’est dédié quand même « à ceux qui sont partis »

« et à tous ceux qui ont été perdus »

il y a quelque chose de l’autobiographie ou alors d’un filmage spectaculaire – tout le reste (ou presque) du film est en noir et blanc – raccord sur le temps

c’est ainsi – ici, une rue, une famille

son acteur et le réalisateur (Kenneth Branagh)

il y a quelque chose aussi de la perfection, comme dans les souvenirs (de ma jeunesse) – tout est beau dans les gens de la famille, le père et la mère sortent d’un dépliant publicitaire – aussi – ils dansent et s’aiment – ils se parlent et se disputent – ils optent et décident ensemble – ils s’aiment et vivent, veulent vivre, survivre à la guerre civile qui dévaste le pays –

les relations de voisinage, les enfants les gens, les parents qui se connaissent qui se jaugent qui se battent – la guerre, civile peut-être, mais la guerre et les morts – mais non – les enfants rient, jouent dansent aussi – je me souviens bien de n’avoir rien vu – il y a quelque chose qui subsiste quand même quand la lumière se rallume, on a remis son manteau, on l’a refermé, au cou l’écharpe de Chypre ou d’Istanbul – émerveillés parce que c’est ce qu’on voulait nous dire et faire comprendre : mais il ne reste rien – le cinéma s’évapore les plans sont montés collés les uns aux autres la musique (ici Van Morrison : formidable, juste et gaie dansante belle) le mixage – quelques manières jte dis c’est vrai, des plans au ras du sol, des effets, du style – mais un amour, vrai je suppose, et de la ville et des acteurs

la grand mère, Buddy pieds sur la table, le grand-père (Ciarán Hinds) (photo de tournage)

il y a cette imposture des images fixes pour relater quelque chose qui n’existe plus (c’était la fin des années soixante, les catholiques et les protestants se tuaient les uns les autres – on posait des bombes – on sacrifiait des innocents ou des coupables) (souviens-toi de Bloody Sunday (Paul Greengrass, 2002)) – (un de ces types qui disait dans le poste « je lui ai réglé son compte » – une émission sur la guerre d’Algérie, on en a mémoire) – ce sont juste des hommes, des êtres humain, des hommes que la guerre défait – nous autres alors, les enfants, ne comprenions rien (il n’y a rien à comprendre, c’est vrai) – ainsi que Buddy qui n’aime qu’elle (Olive Tennant dans le rôle de Catherine,jeune fille blonde mais/et catholique)

il ya quand même quelque chose de formidable (quoi qu’il puisse en être des conditions de production, des acteurs magnifiquement beaux, des cadrages excessifs et des couleurs passées de noir et blanc – ces choses afféteries effets clins d’œil connivents – il y a ces répliques formidables) dans cette scène

Buddy et son père- le premier « oui, mais elle est catholique… » et son père : « quelle que soit sa religion, protestante, catholique, hindou ou vegan sataniste, l’important c’est ce qu’elle est, elle » – je cite de mémoire – on s’en fout des catégories – même si elles sont intégrées à nos façons d’être – on s’en fout –

parce qu’on est vivants et humains et qu’on le reste

jusqu’à

la guerre, quelque chose de l’imposture, la guerre civile (Espagne 36, Chili 73, Algérie 91, Yougoslavie ça n’existe plus, Ukraine 22…) la honte des nations (j’en oublie tant)

Belfast, un film de Kenneth Branagh

Koutaïssi

Une ville de Géorgie (ça se trouve à cheval entre l’Asie et l’Europe, sur le bord est de la mer Noire) traversée par un fleuve, magique, ex-capitale de cette république (convoitée par le tsar immonde) – le film n’en est pas là : aujourd’hui comme tous ces derniers jours, il y a quelque chose comme de la sidération dans l’air du chroniqueur. Vivre, enfin continuer à vivre (ce billet, en direction de l’Ukraine). C’est un film formidable. Adorable, gai heureux donnant joie de vivre et entrain, avec des enfants qui jouent au foot, des adultes qui travaillent (des professions peut-être improbables, mais des professions) il faut bien manger – on regarde le ciel, c’est une histoire d’amour et une histoire de cinéma – une histoire d’amour du cinéma aussi bien, parallèle, film dans le film, mais la ville, cette ville et ses ponts, le blanc comme le rouge, une ville avec ses croisements habités par des esprits, ses fenêtres et ses maisons, les amitiés les rencontres – une ville
Le réalisateur a étudié à Berlin, dans une école de télévision mais on s’en fout un peu
Il fait jouer sa mère et son père – on pense à Scorcese et à sa mère – une vision du monde, de la beauté des choses et des relations entre humains, une vraie merveille dans ces temps troubles et haineux
Les images qu’on montre ici réunissent les protagonistes : une jeune femme qui étudie la pharmacie

un jeune homme qui joue au football

peut-être professionnellement – ils ne se rencontrent pas à l’image (ici la première du film)

on y voit des chiens

ce sont des êtres qu’aiment le réalisateur –

et aussi les enfants –

partout

(ici c’est la fin du film – ils montent l’escalier, vont s’installer là-haut contempler quelque chose – ils jouent –

) ils jouent partout

séquence magnifique où une onzaine d’entre eux

regardent le ciel (la onzaine (comme au football) a quelque chose à voir avec la suivante qui mangera des glaces, laquelle réfère Bondo Dolaberidze autre réalisateur géorgien)

beaux comme des astres – une merveille

j’aurais voulu saisir le cafetier- il paraît que c’est une star au pays – ça ne m’étonne guère –

le voilà en chemise jaune qui chronomètre, sur le pont blanc, Giorgi pendu – il est loin – on voit le ciel

une musique magnifique et manifeste accompagne,précède devance et suit les plans – elle est signée du frère du réalisateur, Giorgi…

au loin les montagnes magiques – le cinéma qui se fait devant nous (un peu comme celui de Aki Kaurismäki : on le croit parce qu’on le voit) – les décors les acteurs – les techniciens et l’artisanat d’un art qu’on aime tant –

ici je crois qu’il s’agit de la mère et du père du réalisateur

une pure et vraie merveille

un arbre en fleurs et des jeux pour les enfants

deux heures et demie qui passent comme un rêve – le soleil, la lumière – elle

et lui

qui ne se voient que mal ou peu ou qui s’évitent, un sort, des mots, des êtres

le vent – l’eau – la vie simple – un croisement, la nuit

formidable

Sous le ciel de Koutaïssi, un film (magique, probablement) d’Aleksandre Koberidze (là, en georgien, sous titré en anglais)

Ivry-sur-Seine

la petite couronne, la ceinture rouge, la banlieue : Ivry-sur Seine jouxte Paris – ici dans les années quatre-vingt on officiait en enquête dite « poubelles » – le temps est passé – la cité Gagarine est détruite, il n’en reste rien que des oripeaux pour laisser place à entre autres une extension de gare – « faire et défaire c’est travailler » et « quand le bâtiment va tout va » – le film prend pour héroïne principale cette cité, dite alors Gagarine (on y voit des bandes d’actualités de l’époque, le tout début des années soixante, où le cosmonaute Youri Gagarine vient en personne inaugurer en 1963) (non loin, une autre du même ordre, dite Maurice Thorez, bâtie en 1953, est un des décors de ce film-ci – enquêtée par votre serviteur d’ailleurs – mais pas la Gagarine)

J’ai souvenir d’un film titré Soldat de papier (Aleksey German Junior, 2008) qui raconte l’aventure (disons) des premiers cosmonautes (une merveille, tragique sans doute)

Cette époque-là, le début des années soixante, et aujourd’hui le début des années vingt, ont-elles quelque chose de commun ? Sinon ces établissements de briques, ces décors et ces gens donc ? Les conditions de production de ce film, en tout cas, semblent porter quelques traces de l’époque antérieure. Une impression onirique, quelque chose d’inatteignable peut-être : ce serait un rêve

Youri (Alséni Bathily) en apensanteur

une volonté sans faille

pour un désir peut-être permanent – à l’image Youri (Alseni Bathily) qui veut sauver cette cité de la démolition – il s’y emploie avec ses amis (si on criait « la liberté ou la mort ! » ici lui crie « Gagarine for ever ! »)

ici Youri et son pote, Houssam (Jamil McCraven)

et donc il repeint

répare le réseau électrique, les ascenseurs, les ampoules

– en pure perte ? Peut-être pas – pas complètement sans doute – les lieux où se déroulent l’action (disons) se présentaient ainsi, il n’y a que dix ans peut-être

la cité Gagarine (inaugurée en 1963, détruite intégralement en 2019)

on avait demandé aux deux réalisateurs un film d’un quart d’heure avec les habitants du quartier (le « on » de la phrase précédente serait à déterminer – je suis un peu, dans ces circonvolutions, comme celui qui (toutes proportions gardées, hein) chevauche sa Rossinante et adore sa Dulcinée) et cette situation (sacrée sans doute) a le don de ma fatiguer) (apparemment les architectes en charge de la démolition qui se trouvent être des »amis » des réalisateurs) – en est sorti sans doute aucun le film demandé mais aussi celui-ci je suppose – Youri n’est pas que bricoleur, il est aussi astronome (je ne dis pas « amateur » qui a le don de dévaloriser) – il aime regarder le ciel – on observera donc l’éclipse (une allégorie)

à travers des lunettes assombries

on a tourné dans ces murs de briques rouges (le béton des années 60, l’amiante de ces heures-là, rouges comme la ceinture détruite de nos jours – on oublie, on détruit, on reconstruit – le bâtiment va – il y avait là des gens – ça ne fait rien, on va danser -à trois pas, une cité nommée Maurice Thorez reste encore sur ses fondations (on y a tourné quelques plans)

Ivry-sur-Seine au sud de Paris – à présent la zone se nomme Gagarine-Truillot (elle se composera d’un agro-quartier) – rien n’est perdu peut-être – et peut-être pour une occasion, cette occasion on a dansé sur les toits

on a ri

on a chanté

Youri qui danse avec une des habitantes, Fari de l’assocaition des locataires

c’est sans doute parce qu’on y croit

puis moins

mais dans l’histoire, il faut une histoire tu sais bien, il y aura cette jeune femme romanichelle probablement

Diana (Lyna Khoudri) et ses frères

séduite

par la passion de Youri

et d’autres encore, comme ce vendeur de cannabis – d’abord peut-être acariâtre puis amical –

Dali, l’ami dealer ( Finnegan Oldfield)

ici dans le jardin suspendu réalisé par Youri dans l’immeuble qu’il est désormais le seul à habiter – ici une autre locataire de l’immeuble (avant démolition, indiscutable terreur)

et les choses comme les choses iront, que Diana désire partir

ou pas ne changerait rien – qu’on danse encore (formidable séquence que celle de Dali dansant comme un derviche

) le temps fait son œuvre ainsi que tourne

, toujours, le monde

qui jamais ne cessera de tourner

Gagarine, un film de Fanny Liatard et Jérémy Trouilh

Youri : Alséni Bathily
Houssam : Jamil McCraven
Diana : Lyna Khoudri
Fari : Farida Rahouad
Dali : Finnegan Oldfield 

Ouistreham

dans Ville & cinéma il s'est agi de raconter quelque chose de ces deux entités et de ce qu'elles peuvent entretenir entre elles - entités est assez vague, on pourrait intituler aussi ça des dispositifs. Souvent,je m'interroge (je me suis toujours interrogé c'est vrai) sur ma pratique - non pas que je n'aime pas le cinéma (je n'aime simplement pas son milieu, non plus que ses conditions de production) (en ayant côtoyé d'autres, je n'ai pas l'impression qu'il soit plus pourri ou moins que d'autres) (le contemporain néo-libéral dans toute son horreur)- mais ce film-là parle de ces "dispositifs" et de cette façon qu'ils ont d'astreindre les gens, les personnes, personnages ou personnalités à des rôles particuliers. Il s'agit ici plus parfaitement du cinéma que de la ville : en sortant de cette projection, j'avais comme à l'idée que quelque chose n'allait pas, ou plutôt que quelque chose (m')avait été manqué. Pour en faire peut-être un film marquant. Je me suis dit, presque tout de suite, qu'on avait là affaire à quelque chose comme Mister Smith au Sénat (Frank Capra,1939) : serait-ce le même film si Juliette Binoche (tellement bien ici bien sûr comme il se doit, comme James Stewart en Jefferson Smith) avait pris la place, le rôle, de Christèle et Hélène Lambert celui de Marianne ? Un soir, de nuit, les choses ont changé : j'ai vaguement aperçu, entr'aperçu cette possibilité - y aurait-il eu un producteur - une productrice peut-être - un banquier, un ou une type qui avance l'argent pour avoir confiance ? - Je me suis dit, à un autre moment, que le type qui traite les femmes de ménage qu'il emploie de crétines existe vraiment, ainsi que les deux propriétaires du camping... ainsi que les armateurs des navires... Non, mais juste une chose : je ne me résous pas à accepter cet état des choses

C’est un quai, y accostent des bateaux (la marque l’armateur le propriétaire la compagnie de ces bateaux a refusé qu’on y tourne les images, l’équipe de production a cherché ailleurs, a trouvé d’autres bateaux, en Hollande je crois bien, qui ont loués leurs locaux) (on dit bravo à la marque de l’image : ce sont des pratiques immondes pour un monde qui ne l’est pas moins – bizarrement si je vais en Irlande cet été (ce qui est dans les prévisions), je ne passerai pas par cette compagnie) (non, mais je suis borné) qui partent et reviennent de ce royaume au delà de la Manche – on a à les nettoyer (nul doute que de l’autre côté du Pas de Calais, d’autres prolétaires du même acabit fassent le même travail – laver nettoyer curer les chiottes changer les draps passer l’aspirateur : des femmes de ménage) (je me souviens de Daniel Blake) il y a aussi des hommes

de gauche à droite : Nadège (assise), Christèle, Marianne et Justine (debout)

ici on les voit assis, c’est l’embauche du matin – assise aussi, la cheffe d’équipe – debout, les femmes : tel est l’ordre du monde

Marianne (Juliette Binoche)

nettoyer

Christèle (Hélène Lambert)

faire du propre et rapidement

il est dit à un moment qu’on prendra 4 minutes par cabine, il y en plusieurs centaines (les cadences infernales : ça n’a pas changé)

ici c’est dans un camping même jeu (l’abjecte conduite des donneurs d’ordre) nettoyer encore (le smic à moins de 9 euros l’heure)

Marilou (Léa Carne)

et encore – le travail et sa dignité – parfois (trop souvent toujours) l’humiliation (la loi travail El Khomri)

on aime le travail bien fait et quelqu’un le salope

le film est composé de cette histoire (librement inspiré du livre de Florence Aubenas, le Quai de Ouistreham paru en 2010) et de plans libres

je ne dispose que du film annonce

mais ils sont là

des évidences de la narration – de nuit comme de jour

– n’apportent que l’ambiance et la réalité des choses – documentaires peut-être comme on les appelle – une narration classique peut-être, forte et formidable à certains moments, ici en voiture pour rejoindre les bateaux

c’est le corps les yeux les mains les membres qui fatiguent – et l’esprit donc – il y a aussi (souvent quand même, mais c’est la loi aussi de cette histoire-là) il y a aussi des moments de joie

de gaité franche

Nadège (Evelyne Porée)

et de plaisir

il y a aussi cette histoire d’écriture (à la Marsa, qu’est-ce que tu veux, c’est comme ça, on n’y peut pas grand chose : ça parle)

c’est un film où on croise beaucoup de femmes, un homme aussi

Cédric (Didier Pupin)

plutôt sympathique le gars – une histoire de France – des conditions de travail, des migrants dans l’ombre qui passent, il faut bien vivre et gagner cette vie sacrée

nettoyer

faire du propre

des heures éparses tôt le matin et tard le soir – ce n’est pas le bagne mais ça y ressemble – montrer les invisibles, celles qui courent pour tenir, terriblement vrai – mais jte dis aussi, la joie : celle de partir…

Justine (Emily Madeleine)

de fêter ça

et de danser

et de danser pour fêter ça

(un plan magnifique et merveilleux) un baiser de loin

oui au revoir (elles s’éloignent)

vraiment bien

Ouistreham, un film réalisé par Emmanuel Carrère (voulu et co-produit par Juliette Binoche)

ici le générique

là, la technique

Manaus

Il s’agit d’une ville au milieu de l’Amazonie, au nord du Brésil, là où le rio Negro rejoint l’Amazone. Une ville, un port. Capitale, trois millions d’habitants. Sur le port travaille Justino, comme surveillant agent de sécurité armé protégé d’un gilet pare-balles. Il rentre en car

plusieurs fois, on l’en voit descendre et prendre le chemin de chez lui : voir comme il regarde sur sa droite, c’est comprendre qu’il entend, par là, venant de là, quelque chose – on ne sait pas mais on entend. Il traverse. Formidable travail du son dans ce film. Il commence par

quelque chose comme ça – la forêt, la brume, peu de ciel et beaucoup de terre, formidable aussi comme on se sent étranger – quelque chose nous dépasse. Exactement ça. Puis on découvre le héros, Justino, ordinaire, normal, standard comme toi ou moi, un type qui travaille pour gagner sa vie : ce plan-là

on aime à voir cette longueur, on se dit qu’il va ouvrir les yeux, on entend à nouveau des bruits, des cris peut-être, peut-être pas des chuchotements, aigus sans être agressifs, des présences – passent le temps et le générique

dans les ombres, le temps les bruits – le monde bruisse – l’homme vit plus loin, avec sa fille (montage parallèle, on la voit travailler dans un centre de soins)

elle lui annonce sa réussite à un concours qui le rendra docteure en médecine, mais les études se déroulent à Brasilia (c’est à mille kilomètres d’ici – elle va s’en aller) ( il le faut : Justino le lui dit, pars ma fille) loin – le travail continue (il y a une chanson de Jacques Higelin qui fait « pars/fais ce que tu dois faire /sans moi ») (j’adore) (elle fait aussi « quoi qu’il arrive je serais toujours avec toi » – tout à fait ça) (nos cultures sont différentes mais elles se rejoignent pour peu qu’on les adopte) – le travail contraint force assomme torture

le fleuve les containers les navires les bruits – les abrutis de collègues de travail – l’horreur habituelle de la subordination –

(je ne suis souvenu d’une des séquences de Villages visages (Agnès Varda, 2018)) le travail

pas seulement graphique – le fleuve comme une espèce de fond sonore

au loin, même ici il est peut-être trop présent mais il est là – un décor – et Justino subit une fièvre

inexplicable

revenir

habitudes

travail

quelque chose d’étrange

un rêve certainement (une bête dans la jungle)

je ne raconte pas tout, seulement cette ambiance

nocturne onirique

magnifique – d’autres développements, une histoire qu’il raconte à son petit fils

un repas en famille

une façon de raconter formidablement diffuse – formidablement original

et surtout aimer et survivre…

Parfait.

La Fièvre, un film de Maya Da-Rin (2019), avec des acteurs tellement justes (Regis Myrupu dans le rôle de Justino : extra – léopard d’Or je crois bien Locarno 2019)

Cormellain (Cormolain*)

il s’agit d’un film indiqué quelque part sur le rézosocio puis ailleurs : on m’en a dit : « mignon » et : « sympathique » mais je crois qu’il est plus que ça – je renoue un peu avec les découpages plan à plan des études à l’institut d’art et archéo – je ne dévoile pas tout (il faudrait le voir – il passe encore – ici le lien) – une narration particulière – une histoire sentimentale probablement, mais profonde, joyeuse, gaie, un peu cruelle – en vrai : du cinéma (et du bon) – on en verra le générique ailleurs (je le poste mercredi – mercredi, c’est cinéma aussi) : il y a une espèce de « rubrique » idoine dans la maison[s]témoin

ici il s’agit d’une petite ville de province – en région – en Normandie plus ou moins – anonymisée – un type (Julien Beguin, comme il se doit – puisqu’il l’a eu) (pour elle, Caroline) revient pour quelques heures dans la maison familiale (il vit à Paris, avec une Anna, enceinte – on ne la verra pas) (il a écrit un livre qui a eu du succès) – le film (c’est un court métrage, 25 minutes, musical) commence par les pas de cette jeune femme au bonnet rouge

elle va chanter en marchant « partir un jour » (doucement, une chanson interprétée dans les années 90 par les deux sont trois – boys band on disait alors – « 2be3 », tu te souviens ? ) laquelle chanson donne son titre au film – mais pas que – elle se dirige vers un arrêt de bus, ici patiente ce jeune homme au bonnet marron, qui se roule un clopo

il chante aussi, la même chanson – tandis que celles-ci aussi qui patientent tout en chantant

et attendent le bus qui arrive – fin de la chanson – entrée en image du héros Julien qui discute au téléphone avec Anna sur le prénom (Lucius, non, certainement pas mais Andéol ? non plus sans doute…) du fils à venir, voici sa mère qui vient avec son père le chercher dans le camion de la boucherie

(le père et la mère partent à la retraite : ils déménagent)

le père (François Rollin – Gérard – extra) est d’une « humeur de chien »

il cite des passages du livre de son fils où on parle de bouse, des « hommages » dit le père (inscrits dans un carnet) – cut : dans un supermarché

la mère, Martine (Lorella Cravotta, parfaite) achète des exemplaires du livre de son fils (on en voit ici six, elle les achète tous : pour les offrir à ses copines de chorale) : on aperçoit le titre, presque « Partir un Jour » on aperçoit la photo (le Julien qui ne sourit pas, mal coiffé…)

– lui Julien voit au loin une jeune femme (en réassort dans les rayons, loin : une caissière mais il la reconnait, c’est Caroline) – puis la roue tourne

tourne encore

il la cherche sans le savoir : la voilà

c’est sa pause (la pomme, l’eau, la caisse…) : tu prends un café ? il ne peut pas, non, il est avec ses parents – il est encore leur enfant – elle, elle en attend un, mais et ce soir on boit un verre ? ah non, enfin non… Tant pis, elle s’en va, mais lui laisse son zéro six (il le lui demande, si jamais…)

(on le lit bien hein ?) formidablement, elle a pris les livres, les bananes, les biscuits et les lui a fourrés dans les bras, puis s’est emparée du caddy – il s’en va, se retourne

sort du cadre – contrechamp, à contre temps elle se retourne

elle s’en va – cut : il est dans sa chambre, passe trouvé dans un carton un survêtement bleu estampillé « Cherbourg Natation », lui chante une chanson de Francis Cabrel (l’encre de tes yeux)- puis lui écrit un texto : finalement, il peut ce soir

– elle viendra le chercher, mais avant il discute avec ses parents, à table, devant la télé

on parle (il lui refait le coup du carnet…)

puis on entend au loin, vaguement, Julien s’en va – bonne soirée en amoureux les parents dit-il – elle l’emmène

travelling magnifique – ils entrent clandestinement dans une piscine comme au temps du collège « ça marche encore ce truc-là? » mais oui – ils nagent et parlent

mais qui est le père de cet enfant ? un jeune homme, Yohann

non, pas Yohann, quand même…

mais si, fallait pas partir… Comment ça, fallait pas … ?

ben non, fallait pas – ça aurait aussi bien pu être toi, le père… mais pourquoi tu l’as pas dit ?

on ne savait pas, on n’a rien dit, et elle « tu aurais pu m’écrire quand même… » mais mon livre, dit-il, trois cents pages que j’ai écrites pour toi… » mais non… elle ne l’a pas lu…

« interdiction de plonger » – les deux ex-amoureux aux pieds des palmiers du paradis – mais non, non… Ils se rhabillent, et les voilà qui chantent ensemble, « Bye bye » un rap de Ménélik aux rimes directement sorties du dictionnaire

ils s’amusent

dansent chantent « tu es le seul qui m’aille/jte le dirai sans faille »… (le rap)

« Tu es la seule qui m’aille, je te le dis sans faille
Reste cool bébé sinon j’te dirai bye bye »

le téléphone sonne, il le regarde, elle le regarde : une image sous le prénom d’Anna

enceinte elle aussi – Caroline voit cette image, il allait lui en parler – lui aussi devient père – c’est trop tard – cut : le lendemain matin

il va s’en aller – sa mère boit du café dans la maison vide – son père est parti tôt avec le premier camion du déménagement – il embrasse sa mère, il s’en va – travelling sur les champs

en off : il appelle son père – ça ne répond pas –

mais il lui dit la première phrase de son nouveau livre « ce sera sur la page un du coup… jt’embrasse » – partir quand même

un peu de tristesse sans doute

et puis

quoi ? une mobylette…

celle de Caroline… « Youhou !!! » crie-t-elle – le bus est passé, Julien sourit – sur elle de dos qui sourit (on le sait qu’elle sourit) (parce que c’est tellement drôle quand même…), puis de face

un peu triste, elle entonne une chanson créée par Larusso « Tu m’oublieras » – un couplet, il en reprend un autre – puis sur elle à nouveau

qui met son casque, reprend sa mobylette (le soleil sur le guidon…) et continue de chanter, puis, en off sur un travelling sublime

vraiment (et forcément) sublime : ce petit sourire

générique de fin.

Partir un jour, un film d’Amélie Bonnin

(*) addenda du 26 avril 2022 : recherchant quelques informations, je suis tombé sur le village de Cormolain (j’avais demandé à la réalisatrice qui n’a pas jugé bon de répondre (non, mais on a des trucs à faire) (je veux dire plus importants) un éclaircissement sur le nom du village) et tu sais comme je suis, voilà que j’y vais voir un peu et je tombe sur ça

qui a un air de famille avec l’une des premières images de ce billet (et du film) – la voilà

ça s’appelle avoir de la chance – je ne sais si la maison Allix est citée dans les remerciements… (mais oui, en remerciements (avant-dernier carton) et à Benoît : ici aussi, donc) (pour mémoire -même si le film se termine par le Tu m’oublieras de Larusso (entre beaucoup d’autres) – résultats du deuxième tour de cette bourgade : l’immonde 109 bulletins (51.42%), le jésuite hypocrite 103 (48.58%) source : ministère de l’intérieur) – hum.

Paris : rue Daguerre

Nurith Aviv a participé au tournage du film Daguerréotypes (1975), projeté dans le cadre de la cinémathèque du documentaire (centre Pompidou, Trésors du doc) le 17 octobre dernier. C’est à ce titre qu’elle a été interrogée, après cette projection, en tant que directrice de la photographie. Elle a aussi participé, comme directrice photo, à quatre autres films d’Agnès Varda : L’une chante l’autre pas (1976) ; Documenteur (1982) ; Sept pièces cuisine salle de bain à saisir (CM- 1984) ; Jane B. par Agnès V. (1987).
L’image ci-dessus représente deux des habitants de la rue Daguerre, Marcelle et Léonce, qui tenaient alors la parfumerie « Au Chardon Bleu ». On peut retrouver une exploration de la rue Daguerre (en son ouest) sur Pendant le week-end.

Les questions en italiques et claires sont de la personne qui interrogeait Nurith Aviv ; les questions du public sont en gras dans la suite.

Comment avez-vous connu Agnès Varda ?
Eh bien, très simplement, comme c’était à l’époque. C’était en 75. Donc au téléphone elle m’a appelée : « Bonjour, c’est Agnès Varda. J’ai vu l’image d’un film que vous avez fait, je l’ai vu à Cannes et je voulais vous féliciter ». Je me dis, c’est bien, Agnès Varda veut me féliciter pour Erica Minor, le film de Bertrand van Effentere qui est passé à Cannes, très bien, et puis elle me dit : « Vous voulez bien travailler avec moi ? ».  J’ai dit « Bon, OK » – « Vous pouvez passer demain ? » – « Oui, je peux passer demain… » J’arrive et elle me dit, « Bon il y a, après-demain, il y a ce type-là [Mystag, le magicien] qui passe au café, est-ce qu’on peut commencer à tourner demain ? » Le lendemain on a commencé à tourner et ce qui est étonnant dans cette histoire, c’est qu’elle a vu les images que j’ai faites dans un long métrage et elle a décidé que c’est moi qui devait tourner et elle n’a pas du tout… C’est-à-dire que pendant une semaine, elle me cherchait par des voies complètement, complètement détournées. Elle a regardé la liste de tous les techniciens qui ont fait le film, elle a appelé tout le monde et finalement elle est tombée sur la femme d’un ingénieur du son qui lui a donné mon adresse. Mais elle était cool… Moi je n’aurais pas été jusqu’au dernier moment, moi je n’aurais pas eu… mais voilà, elle, elle m’a dit qu’elle avait vu cette image-là et qu’elle était avec Jacques Demy et que tous les deux étaient très… Enfin, du cadre, de la lumière, ça leur a beaucoup plu. Je trouve ça génial de la part de quelqu’un comme ça, elle ne savait pas qui j’étais au juste, elle a aussi prétendu qu’elle ne savait pas si j’étais homme ou femme…

Quelle était l’équipe lors du tournage, vous étiez combien ?
Eh bien, j’avais un assistant qui était à l’époque Denis Gheerbrandt, mais je crois que ça ne se passait pas très bien entre lui et Agnès. Je crois qu’en cours de route quelque chose… mais je ne sais pas, en fait bon voilà, après je ne me rappelle pas qu’il y avait un électricien, mais il devait y avoir quand même un ingénieur du son, donc ça fait qu’on était quand même au moins quatre, oui…

Et comment se faisait la connexion entre Agnès Varda et vous, sur le tournage elle était derrière le cadre vous aviez un système de communication… parce que la mise en scène est très précise…
Ça dépend… C’est-à-dire que le premier jour, je m’en rappelle comme un cauchemar… Parce que pour tout, c’était : « mets-toi là »… « mets-toi là… » et « mets-toi là… mets-toi là » et c’était des plans très courts, hein… Bon, le deuxième jour on s’est trouvé chez le boucher et là, ce qui s’est passé c’est que le couple, le vieux couple là qui finit ce film [le couple du magasin Le Chardon Bleu], oui voilà, ils sont arrivés et ils ont… Moi j’ai filmé comme je pouvais donc et elle, elle ne pouvait rien dire puisque c’est un plan séquence. Donc à partir de là, elle ne pouvait rien dire, mais moi non plus, c’est-à-dire que tout d’un coup, ça se faisait et il fallait suivre, donc c’est là qu’il y a eu quelque chose qui s’est passé et à partir de ce moment-là… Je parle de tout ce qui est le… suivre les gens, on était là à suivre et elle devait faire confiance et en me faisant confiance à moi, moi aussi je pouvais me faire confiance. Vous voyez il faut laisser faire, c’est-à-dire que ce n’est pas moi, moi je ne fais rien moi je pense que c’est les gens qui font la caméra moi je dois juste… Je suis juste présente. Vraiment je dis ça très sérieusement, mais il y a aussi toute la partie qui est de la mise en scène, vraiment de la mise en scène, pas photographique mais presque… Alors là ça s’est vraiment passé super bien, c’était vraiment… et justement il ne fallait pas la parole du tout…

Intuitivement
Oui, il n’y avait plus beaucoup de paroles, moi j’ai trouvé ça vraiment… Pour tout ce qui est mis en scène parce que c’était toujours des références à la photographie, on était toutes les deux photographes donc oui, ça s’est vraiment passé dans quelque chose qui était vraiment harmonieux, alors on ne peut pas tellement comprendre comment ça s’est passé le premier jour, parce que vraiment tout au long après, tout au long c’était génial, vraiment génial.

Est-ce qu’il y a des questions, des remarques des observations dans la salle… ?
(dans la salle on apporte le micro – en attendant) Moi j’ai une question… oui, il n’y avait pas d’électricien, mais comment était l’électricité sur le tournage ?
Mais parce qu’on a tout tiré depuis chez Agnès, pour éclairer et il en fallait parce qu’à l’époque il fallait éclairer quand même, il n’y avait pas de lumière du tout, là il fallait quand même une certaine quantité de lumière donc, on a tiré un fil de chez Agnès et on tournait en 16, et on a tiré le fil de 80 mètres. On ne pouvait pas aller plus loin que 80 mètres.

Ce qui a limité le champ d’action
Oui, voilà c’est ça donc on allait dans tous les sens, au maximum 80 mètres et Agnès prétendait que c’était son cordon ombilical (rires) et Mathieu avait à l’époque un an et demi et donc il fallait qu’elle fasse quelque chose qui soit proche si vous voulez voilà… qui la reliait à la maison.

Oui, alors la question de la salle : « Bonsoir, j’ai une question un peu bête, je voulais savoir combien de temps a duré le tournage, et est-ce que les scènes étaient répétées ou alors est-ce que c’était spontané ? »
Ça dépend desquelles… répétées je ne crois pas, bien sûr il y a des scènes qui sont mises en scène, exprès, quand ils parlent des rêves, quand on voit que c’est une caméra. Et la fin, oui, tout ça est mis en scène mais le reste non, ce n’est pas répété, c’est de l’observation… Et pour le tournage je crois que c’était que quatre semaines… Mais après il y a aussi… Je crois que Agnès a eu des idées une fois qu’elle était au montage des petits bouts qu’elle a ajoutés après, comme le sourire de la Joconde, elle a trouvé que la fille ressemblait, et c’est vrai hein… Aussi des petits trucs avec le magicien, des petits trucs comme ça qu’on a faits, ça c’est la méthode Agnès hein, mais c’est des petits moments, elle monte un peu et des petits trucs qu’on a peut-être faits plus tard…

Ce qui est intéressant, c’est que vous avez dit tout à l’heure que c’était la représentation du magicien qui a déclenché le tournage…
Oui, oui, voilà parce que c’était un samedi et elle a du se dire que oui on va tourner et certainement qu’elle a eu l’idée de dire à tous les voisins d’y aller parce que comme ça, il y aurait tout le monde vous comprenez, c’est-à-dire que c’était la trame narrative pour elle, c’était à partir de là.

(de la salle) Oui, tu disais que c’était qu’elle avait dit « c’était mon cordon ombilical » et je voulais savoir à quel moment de sa vie elle avait décidé de tourner ça ?
Là c’est quand Mathieu son fils a un an et demi et qu’elle n’a fait pas de film depuis un moment.

Et avec son mari, ça va ?
Avec son mari ? Oui… là ça allait mais… là où ça n’allait pas c’est un film que j’aime beaucoup, c’est un film qui s’appelle Documenteur qui raconte le moment où ça ne va pas avec son mari. Après ils se sont retrouvés, mais le moment où ça n’allait pas, ça a donné un de ses meilleurs films en tout cas que moi j’aime beaucoup qui s’appelle Documenteur, et en anglais Emotion picture.

Est-ce que c’est un film qui a pu nourrir les vôtres, même si on voit qu’il y a surtout des différences il y a des choses qui ont pu résonner dans votre travail ?
Comme chef opérateur ou comme réalisatrice ? Parce que c’est quand même différent.

Réalisatrice ?
Comme réalisatrice… J’ai pris le contre-courant de ce que je fais comme chef opératrice, parce que justement, les films que je fais, à partir du film Circoncision et tous les films sur le langage après je me suis privée de justement de tout ce qu’il y a là, la vie des gens, je voulais vraiment me… je voulais vraiment me heurter à comment filmer la parole sans vraiment y aller en direct, frontalement et c’est ce que je continue encore, mon dernier film est pareil, mais ce n’est pas pareil non plus parce qu’il y a tout un travail qui se fait pendant un an ou deux avec tous ceux qui seront dans le film, donc ce n’est pas pareil mais justement c’est le contraire… On croit que ce sont des documentaires mais pour moi, ça ressemble plus au travail que font les acteurs au théâtre… Donc ça n’a pas non… mais je ne peux pas dire mais ce qui continue quand même, tout ce qu’on voit c’est que dans tous mes films on voit ce qui a rapport à la photographie, c’est-à-dire qu’on voit les gens qui sont debout, le cadre dans le cadre aussi.

Oui, c’est peut-être votre touche de chef-opératrice sur le film, ça, le cadre dans le cadre...
Oui peut-être, mais c’est-à-dire que c’est toujours un va et vient entre si le travail se passe bien, c’est qu’on ne peut plus savoir qui a fait quoi, parce que ça suffit aussi c’est comme jouer du jazz, on ne sait pas qui fait quoi exactement, qui lance on ne peut pas dire c’est une note, une note, une note et on ne peut pas dire, alors évidemment chaque film va nourrir celui qui va venir après, mais on ne peut pas tellement dire, ce n’est plus un plus un…

(de la salle) Vous avez coupé ensemble ?
Monter on dit, monter…

Oui, vous avez monté le film ensemble ?
Chez les Allemands on coupe, chez les Français on monte hein (rires) Non, mais ce n’est pas moi, non, c’est Agnès, mais Agnès met beaucoup beaucoup de temps pour monter, je dis « met » mais elle est quand même là, elle est là, donc oui, elle mettait beaucoup de temps pour monter ses films parce que c’était toujours tout un travail d’associations d’idées, après elle avait d’autres idées, et elle contrairement à moi, parce que pour moi le film ne se passe pas au montage, pas du tout dans mes propres films, mais elle, elle travaille beaucoup, et même elle va tourner encore après parce qu’elle a trouvé une association d’idée et qu’elle veut montrer… Mais je ne sais pas combien mais des mois et des mois…

(de la salle) Merci pour le film… Je voulais savoir si le film s’inspire de la photographie ou plutôt de l’histoire du cinéma parce qu’on voit toutes ces références à la psychologie photographie, allemande ou même je pense à l’expo… On ne donne pas leurs noms mais on sait où les trouver, c’est comme un album de famille, je voulais savoir ça.
C’est toi qui fais tout le travail là, hein… Mais je ne crois pas qu’Agnès ait des références intellectuelles, non, elle a des références à la peinture, à la photo aussi mais beaucoup à la peinture et le travail avec Agnès se fait beaucoup après, parce que j’ai fait quand même cinq films avec elle et on allait beaucoup, beaucoup ensemble voir des expositions, et pas forcément pendant le film mais dès qu’on était quelque part dès qu’on arrivait dans une ville on allait en voir beaucoup, et elle a fait aussi l’école du Louvre et pour elle c’était vraiment… et pour moi aussi d’ailleurs jusque maintenant avant que je commence un film je vais toujours au Louvre, mais c’était pour voir comment le peintre, le portrait, comment la lumière; etc. etc. La référence est beaucoup la peinture.

Est-ce qu’on peut dire que c’est une sorte de peinture vernaculaire parce que ça ressemble à ce qu’il y a juste à côté comme exposition…
C’est encore toi mais c’est formidable de faire ces associations-là, c’est bien oui justement…

Est-ce qu’on peut parler des portraits photographiques ?
Elle a la chance d’habiter la rue Daguerre et il faut le faire…

Il y a un montage aussi qu’elle faisait manuellement, avec un cache…
Oui, oui, avec Agnès tout est artisanale, tout se faisait manuellement, elle avait un cache qu’elle enlevait, qu’elle mettait oui, pas du tout elle était comme ça toujours du côté artisanal, beaucoup, comme la couture… C’est une sorte de patchwork, vous voyez, un peu comme ça, couture et patchwork.

Vous avez parlé de « retake » après le tournage, c’est par exemple le magicien, par exemple, retournage après, en cours de montage ?
Oui, il y a des petits… oui, mais vous savez c’était en 75, et je me rappelle qu’avec le magicien on avait refait le plan, par exemple avec la Joconde, oui ça je suis sûre, et aussi avec la boite, les boites de choses comme ça, oui mais elle a eu comme des idées et donc après qu’on ait tourné, elle voulait encore les boites… Bon, tout comme ça… Et je me demande si on n’avait pas tourné avec la fille, là, sur la patinoire aussi, oui j’ai l’impression que c’était plus tard, et je me dis maintenant que ce n’était pas nécessaire, mais justement moi je suis trop conceptuelle, disons, je crois que si on dit 80 mètres c’est 80 mètres et c’est tout, moi je l’aurais enlevé. (rires)

(la salle) je voulais savoir ce que vous pensez du rapport entre le quotidien et le rêve chez Agnès
Chez elle, est-ce que je dois faire sa psychanalyse … ? (rires) Non, ce que je sais c’est que moi à l’époque je faisais une psychanalyse et elle ça l’a beaucoup troublée, elle voulait tout le temps savoir ce qui se passe, et pourquoi je fais ça, et pourquoi j’en ai besoin et moi j’essayais d’expliquer, je disais que au centre de la psychanalyse, c’est le rêve et le travail sur le rêve, voilà alors moi je prétends que c’est sur l’écran, c’est-à-dire que elle a fait comme si elle était contre et tout ça, mais après elle a demandé à tout le monde de quoi il rêvait… Et les gens, ce qui est marrant c’est que les gens ils ne parlent pas du rêve de la nuit, ils ne parlent du rêve que éveillés… Alors le rêve, pour les gens à part peut-être le coiffeur, ou celui qui a fait le somnambule, oui je crois qu’il y a quelque chose comme ça, mais moi je me rappelle que ça l’a beaucoup intriguée le pourquoi je vais en analyse, que les artistes ils n’ont pas besoin d’aller en analyse de ça…

(la salle) le film a l’air de se poser dans une quotidienneté objective extraordinaire, mais en fait il devient une fiction
Une vision ?

Une fiction…
Ah oui, bien sûr

Un rêve, les gens commencent à révéler quelque chose d’eux-mêmes, et il me semble que le personnage de l’illusionniste introduit cette dimension surprenante…
Oui mais c’est ça le problème de la fiction, c’est ça…

Qui fait que le film n’est plus un documentaire, c’est quelque chose de très poétique, elle dit quelque chose…
Mais oui, bien sûr… Mais moi je ne sais pas ce que c’est que la réalité etc. parce que déjà, dès qu’on met un cadre autour de quelque chose, c’est déjà une fiction, hein, pour moi, donc après qu’est-ce qu’on appelle fiction ? Pour moi, ce n’est pas très… Et elle, elle a pris à bras le corps l’illusionniste, elle a commencé le film par là, et elle savait que ça devait aller par là intuitivement, donc elle a commencé par là, intuitivement, et après elle a suivi mais c’est ça la force d’Agnès justement, elle a fait de ça une fiction documentaire etc. Comme d’ailleurs Chantal Akerman aussi, il n’y a pas… c’est-à-dire qu’un jour on va faire ce qu’on appelle fiction et un jour ce qu’on appelle documentaire.

C’est vrai que le film, avec le magicien, serait plus dans la ligne Lumière du cinéma mais le magicien introduit Méliès…
Oui…

Éventuellement, ces références cinématographiques, cette cohabitation de ces deux lignées
Oui, mais c’est ça avec Agnès, elle allait de l’un à l’autre oui, et justement moi c’est ce à quoi je tiens beaucoup, et j’aime ça beaucoup.